miércoles, 23 de diciembre de 2015

Kurt Vile - Pretty pimpin


Otro artista que ha sacado disco en 2015 ha sido Kurt Vile. Muchos sabréis que fue miembro de una banda muy conocida: The War on Drugs. La dejó para centrarse en su carrera en solitario y este año ha sacado su sexto álbum con el sello Matador Records, al que también pertenecen grupos como Yo La Tengo, Belle & Sebastian, Cat Power o The New Pornographers, entre otros. El disco se titula B’lieve i’m goin down… (2015) y la canción que lo abre, Pretty pimpin, es para mí, uno de los temazos de 2015 y, por lo tanto, una canción perfecta en este blog.


Desde hace unos días, también podemos escuchar un EP en Spotify con algunos de los temas de los dos últimos trabajos en directo, acompañado de su banda The Violators y con la colaboración de la baterista de Wairpaint.

Si preferís escuchar a leer, encontraréis esta recomendación en formato radiofónico a partir del 00:59:39 del podcast de El sonido de las montañas al revés:

"Pretty Pimpin"

I woke up this morning
Didn’t recognize the man in the mirror
Then I laughed and I said, “Oh silly me, that’s just me”
Then I proceeded to brush some stranger’s teeth
But they were my teeth, and I was weightless
Just quivering like some leaf come in the window of a restroom

I couldn’t tell you what the hell it was supposed to mean
But it was a Monday, no a Tuesday, no Wednesday, Thursday, Friday
Then Saturday came around and I said 
"Who’s this stupid clown blocking the bathroom sink?"

All he ever wanted was to be someone in life that was just like
All I want is to just have fun
Live my life like a son of a gun
I could be one thousand miles away but still mean what I say

Then I woke up one morning
Didn’t recognize the man in the mirror
Then I laughed and I said, “Oh silly me, that’s just me”
Then I proceeded to not comb some stranger’s hair
Never was my style

But I couldn’t tell you what the hell it was supposed to mean
Because it was a Monday, no a Tuesday, no Wednesday, Thursday, Friday
Then Saturday came around and I said 
“Who’s this stupid clown blocking the bathroom sink?”
But he was sporting all my clothes
I gotta say I'm pretty pimpin

All he ever wanted was to be a man
But he was always a little too cute to be admitted under marbles lost
He was always a thousand miles away while still standing in front of your face

Then he woke up this morning
Didn’t recognize the boy in the mirror
Then laughed and said, “Oh silly me, that’s just me”
Then I proceeded to brush some stranger’s teeth
But they were my teeth, and I was weightless
Just quivering like some leaf come in the window of a restroom

And I couldn’t tell you what the hell it was supposed to mean
Cause it was a Monday, no a Tuesday, no Wednesday, Thursday, Friday
Then Saturday came around and I said, 
“Who’s this stupid clown blocking the bathroom sink?”
But he was sporting all my clothes
I gotta say pretty pimpin

I woke up this morning, didn’t recognize the boy in the mirror [x6]

lunes, 21 de diciembre de 2015

El VY


Si en el anterior post hablaba del parecido razonable entre el timbre del vocalista de The Slow Show y el de The National, hoy os presento El VY, el proyecto que ha montado este último (Matt Berninger) con Brent Knopf, multiinstrumentista, productor, líder de Ramona Falls y ex Menomena. Se conocieron, precisamente, hace más de 10 años, cuando Menomena y The National giraron juntos. 

El pasado octubre se han estrenado con Return to the moon (2015) y la verdad es que visto el resultado, forman un buen tándem. Dicen que sólo es una colaboración puntual, que ninguno de los dos quieren tener una segunda banda. Llevaban tiempo compartiendo archivos entre ellos y acumulando ideas en un carpeta a la que llamaron “The Moon”. El año pasado, aprovechando que The National acabó la gira, se pusieron a trabajar en serio en los bocetos de canciones que tenían allí amontonados y las letras que Berninger había escrito durante la gira en autobuses, hoteles y aviones. Dice en una entrevista que para escapar del ruido constante de su casa (tiene una hija de 6 años con una actividad frenética), plantó una tienda de campaña en el jardín para acabar de escribir las letras. Cuenta también que en I’m the man to be, se oye una voz femenina que habla con él en un tono bastante nervioso. Resulta que era la mujer de la limpieza, que interrumpió la grabación quejándose de los muebles apilados encima de la cama y las botellas vacías de vino por todas partes. 

He escogido del disco el tema It’s a game. Quizás es el que más suena a The National, y concretamente me recuerda bastante al I need my girl, mi canción preferida de ellos. Han hecho gira por Europa pero de momento no han pasado por aquí. Así suena el tema en directo:


Podéis escuchar esta recomendación en formato radiofónico a partir del 0:53:35.


jueves, 3 de diciembre de 2015

The Slow Show, (para) fans de The National


Gracias a la nueva actualización de Spotify, en la que han añadido información en la pestaña "Acerca de" de cada artista, he sabido que cuatro de los grupos que recomendé en la Rayuela Musical Radio de noviembre tienen el mayor número de oyentes en la ciudad de Londres. 

El primero de ellos es The Slow Show y he llegado a saber de su existencia gracias, precisamente, a otro de los últimos inventos de Spotify: la lista de descubrimiento semanal. La verdad es que yo no creía mucho en ella, pero ahora hay lunes que encuentro pequeñas perlas entre las 30 canciones que propone. En este caso, he descubierto a esta banda de indie folk-rock de Manchester que está triunfando en el Reino Unido. La primera vez que los escuché me recordaron mucho a The National, por el estilo y por el parecido de la voz entre los cantantes. Luego he visto que además, su nombre es el título de una canción de ellos, así que todo parece muy evidente. Estos chicos han publicado su álbum de debut en marzo de este año, con la discográfica alemana Haldern Pop Recordings, que es el sello que han formado los que dirigen el famoso festival Haldern Pop Festival. El disco se titula White Water (2015) y la canción que escogí para que sonara en la radio lleva por nombre Testing. Os dejo con el videoclip, un trabajo de de animación muy interesante.


Esta recomendación en formato radiofónico a partir del 47:09 del siguiente podcast: 

jueves, 26 de noviembre de 2015

Lo que la musa de Denison Witmer nos dejó



Denison Witmer es otro de esos artistas que han visitado nuestro país gracias al apoyo de los fans en la plataforma Cooncert. El pasado 28 de octubre pude disfrutar de su directo en el Heliogàbal. Fue un concierto cercano e íntimo en el que el cantautor nos deleitó a los "cuatro gatos" allí presentes con una interpretación muy sincera de un setlist formado por canciones antiguas y nuevas. Destacar, de entre las clásicas, el final del concierto, en el que Witmer tocó y cantó desenchufado una de sus joyas más delicadas, Are you a dreamer?, el tema homónimo del que para mí también es su mejor disco. Un trabajo que, por cierto, acaba de reeditar con motivo de su décimo cumpleaños. Estaba claro que era una buena oportunidad de hacerme con una copia del vinilo y llevármelo a casa firmado.

Entre las canciones de su último álbum, en el que colaboraron artistas como Sufjan Stevens (compañero de sello discográfico), William Fitzsimmons o Dawn Landes, sonaron también dos que me encantan : Take more than you need (fue una de mis canciones preferidas de 2013) y Constant muse, que es quizás el tema más directo del disco. Habla de sus primeros años como músico, sobre la decisión de seguir haciendo "aquello que le ha escogido a él, y no algo que él haya escogido": la música. Es, con diferencia, su canción más escuchada en spotify y sonó en la Rayuela Musical Radio de octubre. 

Así sonó en acústico en Barcelona:

También podéis escuchar esta recomendación en formato radiofónico a partir del 1:20:49 del siguiente podcast:

jueves, 19 de noviembre de 2015

Lola Marsh vs Other Lives


Hace muchísimo que no publico un parecido razonable, pero es que éste me parece tan descarado, que se merecía un post rápido. La culpa la tiene Spotify, que entre las 30 canciones de la lista de Descubrimiento semanal, ha incluido una del grupo Lola Marsh. Esta banda de indie folk de Israel, que sólo tiene dos singles (publicados este año), tocó en el Primavera Sound 2014 y ha teloneado recientemente a Calexico. Uno de los temas, es este Sirens, que me parece casi un plagio del temazo For 12 de Other Lives. Os dejo con los dos, para que juzguéis vosotros mismos. 


sábado, 7 de noviembre de 2015

Low y su "menos es más"


Hoy os traigo un grupo que es una de las referencias de muchos artistas que pasan por este blog y que nos ha visitado hace poco, el pasado 23 de octubre en la sala Bikini. Esta banda de Minnesota formada en el 93 tiene una larga discográfica que, sinceramente, no conozco y quizás debería conocer, ya que han publicado disco este año, Ones and sixes (2015) y me ha encantado. Sólo mirando un segundo la portada del álbum, se podría deducir que algo tiene que ver con Bon Iver, y es que, precisamente, lo han grabado en el estudio de Justin Vernon

Low es de esos grupos que siempre he querido escuchar pero luego me los ponía y no me decían nada. Tengo la teoría que hay que tener una edad para disfrutar de algunos artistas, y creo que los 32 son para Low. Además, hace unos días tuve la suerte de verlos en directo en Barcelona y entendí perfectamente a la gente que los adora.

Foto de Jordi Vidal
Al principio del concierto me dio la impresión que faltaba algo, que la formación de tres se quedaba corta para crear esa atmósfera que los caracteriza en sus discos. Pero a medida que avanzaba el setlist, iba quedándome atrapada en lo esencial de los temas, y confirmaba de nuevo aquello de "menos es más". No echaba de menos ninguno de los arreglos del disco.

Este trío tiene la habilidad de sonar "oscuro" y brillar a la vez. Me cuesta mucho ponerle palabras a la sensación que tuve escuchándolos. Es algo así como que crean el decorado de la escena, muy tétrico y desolado, pero luego es como si pusieran unas lámparas que se van encendiendo intermitentemente, que no permiten que nadie tenga miedo ni caiga en la más profunda tristeza. Su música en directo puede hacerte llorar, sí, pero no son lágrimas de pena, son caricias en el corazón, esas que sólo determinados artistas consiguen transmitir al público. Pocas veces salgo de un concierto con la sensación de haber conectado con el grupo y que éste me haya devuelto la conexión.

Una de las cosas que más me impresionó fue la voz de ella. Me quedé alucinada con su dominio de la técnica, con la actitud y sensibilidad con la que interpreta, y con el perfecto tándem que forman cuando ella y Alan Sparhawk cantan juntos. Es una pena que, en los discos, el talento vocal de Mimi Parker quede en un segundo plano en la producción. Su voz en directo es mucho más brillante, más limpia. Estuve todo el concierto deseando que esta mujer se lanzara a sacar un proyecto en solitario. A ver si hay suerte y pronto tenemos una alegría.
Os dejo con uno de los momentos más especiales en Bikini, cuando tocaron su clásico Plastic Cup:


En la sección de octubre de El sonido de las montañas al revés, pinché una de mis canciones preferidas del nuevo disco, la que creo que es la más pop de todo el tracklist: What part of me. Una canción que, de tan sencilla en estructura y melodía, puede parecer hasta “tonta”. Además, parece que Alan y Mimi se ponen perfectamente en el papel de una pareja de adolescentes al cantarla. Os dejo con ella y con el podcast (Low a partir del 1:16:33):


viernes, 6 de noviembre de 2015

SOAK, sensibilidad adolescente


Os presento a SOAK, o lo que es lo mismo: la que creo que es la artista más joven de este blog. Esta chica irlandesa tiene 18 años y acaba de publicar su primer disco. La descubrí a principios de este año, con sus EP: B a Nobody, Trains (2012) y Blud. He de confesar que sin leer nada de ella y sólo viendo su foto, pensé que era un chico con voz aniñada. Al cabo de un tiempo me enteré que era una chica y el pasado mayo, que actuó dentro del ciclo Els vermuts del Primavera, comprobé que físicamente también tenía sentido lo que yo había pensado al principio. 

Como decía, acaba de sacar su LP de debut, titulado Before We forgot How To Dream (2015) y me ha decepcionado un poco. En mi opinión, su producción es demasiado recargada. Prefiero las canciones tal y como nacieron, a voz y guitarra eléctrica. Creo que con el resto de instrumentos, se pierde esa sensibilidad que creo que es el potencial de esta joven. Precisamente por eso, escogí para mi sección en la radio una versión acústica de una sesión en directo que podéis encontrar en Spotify. El tema se titula B a Nobody y me parece una delicia. A continuación podéis escucharlo solo a piano y voz. Piel de gallina asegurada: 


Esta recomendación en formato radiofónico a partir del 1:10:51:

miércoles, 4 de noviembre de 2015

Noah Gundersen, una visita muy esperada


Hoy os hablo de Noah Gundersen, que igual que Daughter, tampoco es la primera vez que aparece por aquí. Os hablé de él el año pasado, ya que fue uno de mis descubrimientos de 2014, y su disco de debut se convirtió en uno de mis preferidos del año

Con 26 años parece que ha cogido carrerilla y no está dispuesto a perder el tiempo. Este verano ha publicado Carry the Ghost (2015), un disco que seguramente también estará en mi lista de 2015. Su música recuerda mucho a la de Ryan Adams o Glen Hansard y tengo la impresión de que cuando lo vea en directo podré compararlo hasta con mi admirado Damien Rice. Para ello, voy a tener que esperar un poco aún. Vendrá a Barcelona, solo con su guitarra, el 23 de enero, a la 2 de Apolo. Que nos visite ha sido posible gracias a la plataforma Cooncert y a la difusión que ha hecho mi blog de música preferido: Binaural. Así que aprovecho para volver a darles las gracias desde aquí.

Tuve que escoger una sola canción del disco para mi sección en la radio, y aunque me costó, finalmente me decidí por Slow Dancer, que fue la carta de presentación del álbum y precisamente es el primer track. En ella se ven los que para mí son tres de los puntos fuertes del disco de este cantautor de Olympia. Primero, el poder de su voz a solas con el piano (en otros temas es a solas con la guitarra). Luego, los coros de su hermana que encajan de maravilla. Y para acabar, lo bien que el resto de instrumentos acompañan las subidas emocionales de sus temas. Os dejo con el vídeo de la canción en directo en los estudios de KEXP:


También podéis escuchar esta recomendación en formato radiofónico a partir del 1:05:31 del siguiente podcast:

miércoles, 28 de octubre de 2015

Daughter vuelve haciendo lo correcto


Hace dos semanas quedó inaugurada la tercera temporada de mi Rayuela Musical (Radio) en el programa de Radio Gavà dirigido por Eva RosaEl sonido de las montañas al revés
Sigo con mi sección mensual centrada en recomendaciones internacionales, normalmente con novedades discográficas y con artistas que nos visitan. 

La primera es una artista de la que os hablé en la primera temporada. Se llama Elena Tonra pero es más conocida por su nombre artístico: Daughter. Vuelve a aparecer por aquí porque hace unos días ha presentado el adelanto de lo que será su nuevo disco, que saldrá a principios del año que viene, el 15 de enero concretamente. Llevará por título Not to disappear (2016) y va a ser muy difícil que supere su álbum de debut If you leave (2013), que para mí es una verdadera obra maestra. 

Tras escuchar el single, Doing The Right Thing, parece que en el nuevo álbum la inglesa mantendrá la esencia del anterior, así que promete y mucho. El tema viene acompañado de un videoclip dirigido por los realizadores del documental 20,000 Days on Earth sobre Nick Cave, así que os podéis imaginar que el drama está asegurado. El vídeo es el primero de una serie de tres. Todos ellos están inspirados en cuentos que el autor Stuart Evers ha escrito basándose en tres de los temas del disco. Éste trata de los sentimientos que generan el envejecimiento, el paso del tiempo y especialmente la demencia o el alzheimer. Seguramente más de uno se sentirá identificado con la situación y revivirá con él algunas de esas emociones dolorosas. Preparad kleenex porque Daughter viene dispuesta a estrujarnos el corazón.


De momento no tiene fecha en España, a ver si pronto nos da una sorpresa. 

Podéis escuchar esta recomendación en formato radiofónico a partir del 00:58:10 de este podcast:


 

lunes, 5 de octubre de 2015

"Oh no", Andrew Bird no la tocó


En el pasado Vida Festival también pude disfrutar del directo de Andrew Bird, un multiinstumentista que ha aparecido varias veces por aquí, la última con motivo de su disco de versiones del año pasado. 

Tenía muchísimas ganas de volver a verle, ya que tenía un recuerdo increíble de su paso por el Primavera Sound en 2009. Casualmente, en esa ocasión estuve al lado de Dani Poveda, el director artístico del Vida. Viendo lo fan que era de él, nunca entendí por qué no lo llevaron al desparecido Faraday. Supongo que tenía que nacer el Vida para que eso sucediera, y así fue. 

De entre toda la discografía del proclamado a sí mismo como silbador profesional, escogí para poner en la radio la que para mí es una de sus canciones perfectas y la que más deseaba oírle silbar en el recinto de la Masia d'en Cabanyes. Digo deseaba porque como dice el título, "Oh no", no estuvo en el setlist. A pesar de este "fallo", me volvió a demostrar que es uno de esos artistas que llenan el escenario sin necesidad de llevar banda (aunque la llevaba), que dominan a la perfección el pedal de loop y te dejan con la boca abierta cuando todo cuadra y queda perfectamente colocado en el lugar preciso. A continuación podéis ver un fragmento de su actuación en el festival de Vilanova. 



Podéis escuchar esta recomendación en formato radiofónico a partir del 1:23:07.

miércoles, 30 de septiembre de 2015

Sufjan Stevens y el niño que (aún) lleva dentro

Foto de Dani Cantó

Ayer llegué a l'Auditori del Fòrum convencida de que iba a ver uno de los conciertos del año, ya que, por un lado, todo el mundo me había hablado maravillas del directo que Sufjan Stevens dio en el Primavera Sound 2011 y que yo me perdí; y por otro, porque iba a escuchar en vivo un disco que me parece una maravilla, como ya os dije por aquí

Casi 50€ por un concierto no los pago todo los días, así que allí me fui a hacer cola una hora antes de que abrieran puertas para poder ver de cerca el espectáculo sublime que creía que iba a presenciar por ese precio. 

Después de Austra, un grupo que en mi opinión sería un candidato perfecto para ganar Eurovisión, apareció Sufjan con su banda, arropados en todo momento por unas proyecciones fantásticas y muy acordes con cada canción.
Después de la intro con Redford (For Yia-Tia & Pappou), la banda interpretó cada una de las canciones del nuevo disco, sin dejar hueco a ninguna antigua. Death with dignity fue, como en el álbum, la carta de presentación. Y con ella yo ya vi que aquello no iba a ser como había soñado.

El de Michigan parecía un niño indefenso e inseguro que había salido al escenario a cantar sus canciones por primera vez. No venía a defenderlas con la actitud que ello requiere. La tensión de lo que podrían ser nervios acumulados o pánico escénico, provocó que desafinara en varias ocasiones y que el frío congelara toda la parte emocional del maravilloso álbum. 
Se puede presumir de falsete, dominar la técnica de cantar con aire (susurro) y usar el ataque glótico para los agudos, pero si se hace, por favor, que sea con seguridad, transmitiendo al público que es tu decisión hacerlo así. Alejarse del micro en los momentos que los allí presentes más necesitan sentir al cantante cerca o que el técnico cargue la voz de mil efectos que rellenan todas las carencias (esto sucedía sobre todo cuando Sufjan cantaba al piano) es, al fin y al cabo, para mí, engañar a los fans. 

A la media hora de concierto me dio la impresión que la voz de Stevens empezaba a mejorar, pero era una falsa alarma, porque a los 40 minutos aún se le oía suspirar de alivio al acabar alguno de los temas. Estaba claro que no se sentía cómodo y lo peor de todo es que, sin darse cuenta, estaba contagiando ese malestar a algunos de los asistentes (yo entre ellos). 

Se intuía hacia dónde iba el desenlace del concierto tras el giro electrónico que la banda dio a Fourth of July y All of me wants all of you, haciéndolas crecer hasta acabarlas con un final extraornamentado. Si bien es cierto que esta estrategia dio un poco de juego al setlist - formado íntegro por el tracklist de Carrie & Lowell (2015), que en general es bastante plano y carece de dinámicas -, a mí me pareció un poco fuera de lugar si lo que se venía a presentar era un disco delicado y altamente emocional. Pero como decía, era el presagio de cómo acabaría el concierto: un pasaje instrumental excesivamente largo para mi gusto (más de 10 minutos), en el que la banda parecía querer emular a Sigur Rós o los mismísimos Pink Floyd.


Estos fueron, para mí, los puntos débiles del concierto, y lo que hizo que un directo de cinco estrellas acabara siendo de cuatro. Pero no quiero que esto parezca una crónica en la que pese sólo lo malo. Hubo muchas cosas buenas, empezando por los musicazos que lleva en su banda. Qué manera de tocar y qué manera de moverse por el escenario. Mi favorita, Dawn Landes, la chica que lo acompaña, que pasó por todos los instrumentos e hizo una actuación impecable de coros. Eso hizo que mis momentos preferidos del concierto fueran cuando cantaban a dúo, especialmente en el bis, con los hits que la mayoría estábamos esperando.
Con los primeros arpegios de John Wayne Gacy Jr. llegó la piel de gallina, el único instante en el que el estadounidense rozó las altas expectativas que yo tenía. No recordaba tres minutos tan extremadamente intensos durante un concierto. Debió de ser la emoción acumulada que por fin pudo liberarse. El cierre con Chicago hizo que se me olvidara por completo el niño que había visto al principio del concierto. Me encontré entonces con un Sufjan Stevens sin miedo, y que llenaba el escenario enorme que tenía bajo sus pies. 

Me fui a casa dándole vueltas a su actuación, y sigo haciéndolo. ¿Puede ser que la temática de un disco se apodere tanto del artista? ¿Puede ser que cantar sobre tu tumultuosa infancia te teletransporte a esa época y acabes actuando como un niño? Después de lo de ayer, creo que no hay nadie mejor que Sufjan para responder a estas preguntas. 

lunes, 28 de septiembre de 2015

Father John Misty


Otro artista que he tenido el placer de ver por primera vez en directo este verano, ha sido Josh Tillman, más conocido como Father John Misty. Fue uno de los cabeza de cartel del Vida Festival y vino a presentar su nuevo disco I love you, honeybear (2015), producido, por cierto, por mi admirado Jonathan Wilson. Su concierto fue, para mí, el top1 del la segunda edición del ya consagrado evento en Vilanova i la Geltrú. 

El exbatería de Fleet Foxes dio una lección absoluta de actitud en el escenario, sin abandonar nunca el control de la voz y respondiendo siempre a la reacción del público, que retroalimentaba su derroche de implicación en cada una de las canciones. Sus movimientos sensuales de cadera, su manera seductora de moverse por el escenario y momentazos como el de subirse al bombo a bailar cual podio o el de tirar la guitarra para que el backliner la cogiera al vuelo, hicieron que hombres y mujeres allí asistentes se quedaran hipnotizados a la vez que excitados por la energía del estadounidense. Después de tanta actividad, yo esperaba con ansia Bored in the USA, una de mis preferidas del álbum, una especie de parodia sobre la sociedad estadounidense y donde Tillman hace un juego de palabras con el clásico de Bruce Springsteen. Llegó el momento, y el artista con alma de crooner no defraudó y se acabó de meter al público en el bolsillo. 


Su último videoclip, del tema The night Josh Tillman came to our apartment, creo que no puede retratar mejor su persona o el personaje que quiere hacernos creer que es. Y es que Tillman es un artista que se ama y no puede evitar gritarlo a los cuatro vientos. 


Su soundcloud está bastante movidito últimamente. Por un lado, tras publicarse el álbum de Ryan Adams en el que versiona el 1989 de Taylor Swift, Tillman subió su reinterpretación de lo que Adams llamaba una cover "clásica" al estilo de The Smiths y Bruce Springsteen. Él, en cambio, hacía su aportación con su versión a lo The Velvet Underground. Según explican en Pitchforkel motivo de todo fue un sueño de Tillman, y aunque los tracks han sido eliminados ya del soundcloud, aún corren por Youtube (Blank SpaceWelcome to New York) y están en la web del propio Father John Misty

Por otro lado, hace unos días ha publicado una nueva canción que de momento "aguanta" en su soundcloud. Se titula The Memo y suena así:


También podéis escuchar esta recomendación en formato radiofónico a partir del 1:17:54 del siguiente podcast:

sábado, 26 de septiembre de 2015

Neil Halstead


A pesar de que ha venido muy a menudo a nuestro país últimamente, no ha sido hasta este verano, en el Vida Festival, que he podido ver en directo a uno de los cantautores más valorados de Inglaterra: Neil Halstead. 

Este veterano lleva dando guerra desde que empezó con Slowdive, para luego seguir en Mojave 3 y finalmente centrarse en su carrera en solitario. Después de su álbum de debut, Sleeping on roads (2002), publicó dos discos con la discográfica de Jack Johnson: Oh! Mighty Engine (2018) y lo último, Palindrome Hunches (2012)El año pasado se lo pasó girando por festivales con la vuelta de su primer grupo, Slowdive, que volvieron a reunirse en 2014 tras dejarlo hace 20 años. 

Como decía, tuve el placer de verle el pasado julio por primera vez, con el plus de ser el concierto que daba el  pistoletazo de salida del festival que se celebra en mi pueblo. ¡Y qué manera de empezar! Halstead fue capaz de mimetizarse con el escenario más bonito en el que he visto nunca un concierto: una barca en medio de un bosque de pinos. No sé quién disfrutó más, si los asistentes al festival o los pájaros que descansaban aquella tarde en los árboles de la la Masia d'en Cabanyes. Podéis intuir la atmósfera que llegó a crear el inglés viendo el vídeo que grabé de una de mis canciones preferidas de él, Full moon rising. También recomiendo que escuchéis la canción que escogí para mi sección en la radio, Chasing rainbows, una rareza en directo que aparece en spotify en un EP titulado Spin the bottle (2013)


A partir del 1:11:26 podéis escuchar esta recomendación en formato radiofónico:

miércoles, 23 de septiembre de 2015

El nuevo disco y el impecable directo de Other Lives


Sigo poniendo al día el blog con entradas que tenía pendientes. Es el turno hoy de un grupo del que ya os había hablado por aquí: Other Lives. Repiten porque este año han sacado disco y porque el pasado 2 de julio vinieron a Barcelona a presentarlo por primera vez en sala (hace unos años formaron parte del cartel del Primavera Sound 2012). Era la segunda vez que los veía e igual que la primera, quedé impresionada de lo metódicos, precisos, impecables y épicos que pueden llegar a sonar. 


El concierto fue posible gracias a una plataforma que os quiero recomendar desde aquí. Se llama Cooncert y si no la conocéis, os invito a ello. Podéis entrar y votar a los artistas que queréis que vengan a nuestro país. Si consiguen suficientes votos, ellos se encargan de hacer realidad esa petición de los fans. Me parece una idea fantástica para los que disfrutamos de la música en directo, la verdad. 



El nuevo trabajo de estos tres chicos se titula Rituals (2015), un álbum que tras escucharlo, creo que no tiene ningún hit que destaque, pero que está plagado de pasajes vocales e instrumentales muy interesantes que podrían formar parte perfectamente de la banda sonora de alguna película de ciencia ficción. 
La canción que escogí del disco para poner en mi sección en la radio se titula Easy Way Out y a diferencia del resto, a las que dedicaron un mes a cada una para grabarlas, ésta la compusieron a pocas semanas de entrar al estudio y en una noche la tenían lista, convirtiéndose en la producción más rápida del tracklist. Podéis escuchar cómo suena en directo en el siguiente vídeo.







También tenéis esta recomendación en formato radiofónico a partir del 1:06:22 del siguiente podcast:

martes, 15 de septiembre de 2015

Julie Doiron


A finales de junio tuve el placer de ir al concierto que Julie Doiron dio en el Heliogàbal. Todos los asistentes pudimos disfrutar del talento de la canadiense, que junto a su marido (le acompañaba a la guitarra), se mostró cercana con el público y con una naturalidad desbordante. Sólo había que mirarla para ver en su sonrisa constante que estaba disfrutando como una niña, a la vez que deleitaba a todos los allí presentes. Sin ninguna duda, su actitud en el escenario y su voz desprenden una personalidad que la hacen especial como cantautora folk.


Sus inicios en el mundo de la música fueron en los 90, cantando y tocando el bajo en el grupo Eric’s Trip. En 1996, tras la disolución de la banda, empezó su carrera en solitario, publicando ocho álbumes con el sello Jagjaguwar records. Para So many days (2012), su último LP hasta la fecha, fichó con otra discográfica. Este verano, con motivo de su gira por España, Acuarela publicó un 7” de edición limitada (sólo 75 copias), que tiene la particularidad de estar cantado en castellano. En él ha adaptado dos de sus canciones a nuestra lengua: Swan Pond y Yer Kids, de su disco Woke Myself Up (2007)

En la sección de junio de la Rayuela Musical Radio, puse una canción que me gusta mucho de ella. Se titula By the lake y tiene una letra muy bucólica. Podéis escucharla a partir del 1:01:32 del siguiente podcast: 


viernes, 31 de julio de 2015

'Darling Arithmetic' de Villagers, un disco que no debería pasar desapercibido


Sigo poniendo el blog al día con recomendaciones que hice en la radio en los últimos meses. Hoy le toca a Villagers, el proyecto que lidera el dublinés Conor O'Brien. Formó el grupo después de disolver su banda The Immediate y bajo este nombre, Villagers, acaba de sacar su tercer álbum de estudio: Darling Arithmetic (2015), en el que todo lo ha hecho él (componer, grabar voces y todos los instrumentos, producir y mezclar). 

Me ha costado mucho elegir una canción, y eso que sólo tiene nueve, pero es que me parece un disco de esos tipo “bloque”, en los que no parece haber single pero en los que te enamoras de todas las canciones por lo delicadas y los detalles que tienen cada una de ellas. Al final he escogido Dawning on me, por varias razones. Por un lado, por la simple anécdota de que la primera vez que leí su título, me pareció leer Drawing on me. Y por otro, porque es la más corta y porque me encantan esos arpegios de guitarra, los arreglos de piano y también el tono poético y romántico de la letra.

Os dejo con una preciosa versión acústica con guitarra y arpa y con la letra: 


Villagers - Dawning on me

I've been awake for so long now
just can't get to sleep
You've been tugging at my eyelids
You've been dawning on me
and there's a light coming through the window
but all I can see
is the light of your love
You've been dawning on me
dawning on me

I've been awake for so long now
just can't get to sleep
You've been calling on the sunlight
You've been dawning on me
from your lips
to your belly
to your knees and your feet
and the spirit that moves them
You've been dawning on me
You've been dawning me

I've been awake for so long now
just can't get to sleep
you've been delivering the daydream
you've been dawning on me
There's a light coming through the window
but all I can see is the light of your love
You've been dawning on me

Podéis escuchar esta canción en formato radiofónico a partir del 1:24.40.

miércoles, 29 de julio de 2015

El eclecticismo de Calexico


Hoy os traigo una banda que creo que no necesita presentación. Son los eclécticos Calexico, que tanto te recuerdan a Wilco como te tocan una cumbia y se pasan al mestizaje. Me ha hecho gracia la etiqueta que he leído en la wikipedia sobre su música. Alguien escribió que hacen spaghetti western moderno con aires fronterizos (y se quedó tan ancho). Creo que es uno de los grupos más peculiares que conozco. 

Han publicado este año Edge of the sun (2015) y una de las canciones que más me gusta de él es la que escogí para mi sección en la radio Falling from the sky, el primer track del disco. Los coros los hace el cantante de Band of Horses. Y atentos al videoclip, que no os dejará indiferentes y que por cierto protagoniza Jose González y un extraño ser. 


Y para acabar, una última cosa. Mi obsesión con los parecidos razonables, me hace escuchar, al inicio, Sister Golden Hair de la banda mítica de los 70 America.

Si los queréis ver en directo, tienen dos fechas en España: 14 y 15 de agosto en Sonorama y L’Escala (Girona).  

Para escuchar esta recomendación en formato radiofónico, dadle al play a partir del 1:20:07.

jueves, 16 de julio de 2015

The Tallest Man on Earth - Dark Bird is Home (2015)


Kristian Matsson, más conocido por su nombre artístico, The Tallest Man On Earth, vuelve con Dark Bird is Home (2015), el cuarto disco con su sello habitual: Dead Oceans. Igual que los anteriores, contiene diez canciones que respiran auténtico folk de raíces "dylanianas". Esta vez, en cambio, han sido grabadas en diferentes estudios de Suecia y Wisconsin. El resultado es un trabajo bastante más compacto y con una calidad sonora más sofisticada que la mostrada por el sueco hasta ahora.  

Las nuevas canciones tratan, principalmente, de la experiencia personal que el músico ha vivido en su propia piel y que otros artistas que le han influido (Paul Simon, Fleetwood Mac) también han reflejado en alguno de sus discos: el divorcio. De ahí que en el LP encontremos letras que desprenden mucho dolor y tristeza, como las de Darkness Of The Dream, Sagres o la que da nombre y a la vez cierra el disco. Precisamente, el pasaje instrumental con el que acaba esta maravilla de canción es de una intensidad tan imponente, que el oyente no necesita pararse a escuchar con atención la letra para conectar con la emoción con la que The Tallest Man on Earth canta aquello de: “I thought that this would last for a million years but now I need to go. Oh, fuck”.


Quizás para compensar la pérdida, en esta ocasión, el artista escandinavo ha decidido cuidar más la producción. Nos lo hace saber desde el principio, con el tema que abre el tracklist (Fields of our home), donde ya se nota un cambio en el tratamiento de la voz del cantante, más cálida y menos ruda que en discos anteriores. Hay dos elementos más que resultan muy acertados en esta recién estrenada sonoridad: la introducción de segundas voces masculinas que parecen femeninas, y el aumento de arreglos instrumentales, mucho más abundantes que en There's no leaving now (2012)The Wild Hunt (2010) y Shallow Grave (2008). A pesar de que la guitarra continua siendo el eje vehicular, hay espacio para vientos en Slow Dance o en Timothy, donde el propio Matsson toca el clarinete. Como había hecho en There is no leaving now o Kids on the run, también hay lugar para canciones donde el piano toma protagonismo casi en solitario (Little Nowhere Towns). Incluso se atreve a jugar con los sintetizadores en Darkness of the dream, que ayudan a sostenenr la intencionalidad de su mensaje cuando dice “I'm sure I'll sleep when all this goes under. But now, will I sleep alone?”. Seguramente, esta pregunta retórica tenga como respuesta este disco que nos ha regalado a todos los que disfrutamos de su música.

Puede que la parte positiva de esta experiencia dolorosa llena de frustración y resignación sea que el hombre más alto del mundo está dispuesto a hacernos compañía una vez más. Es una suerte escucharle cantar “This is not the end, this is fine”, y ver cómo se ha reencontrado en medio de tanta confusión. Parece que ha llegado el momento de abandonar la etiqueta de "producción casera" a la que nos tenía acostumbrados y de compartir un sonido más extenso en todos los sentidos, más propio de una banda que de un cantautor.  

De momento, a la espera de que confirme fecha en nuestro país, podéis escuchar Dark Bird Is Home (2015) y el resto de su discografía en Spotify

(Publicación original en catalán en La cultura no val res.)


miércoles, 1 de julio de 2015

Cobarde


Cobarde anunciaba hace unos días que han terminado la grabación de su nuevo trabajo. Esta vez se han ido hasta El Refugio Antiaéreo, el estudio que tienen Los Planetas en Granada, y han contado con la colaboración de Pájaro Jack

Hace poco más de un mes, se publicó en La cultura no val res, un artículo que escribí recomendando su música. Hoy podéis leerlo aquí traducido al castellano:

No hace falta salir de Barcelona para encontrar una banda como Cobarde, que se forma hace unos años en un bar mítico de la ciudad condal (Bar Cassette) y debutan en 2012 con su EP Flora y Fauna (2012). Rafa Romero (voz y guitarra), Narcís Pujol (guitarra solista), Lluís Bosch (bajo) e Isaac Sanjuan (batería) se presentan cantando en español con cuatro canciones que dejan entrever su versatilidad compositiva y la confluencia de referencias bastante variadas. Destacar, de su corta carta de presentación, el tema La revuelta, donde Rafa Romero no esconde sus raíces sevillanas y puede llegar a recordarnos un poco a Grupo de Expertos Solynieve
 
Dos años más tarde, publican Amor Patada (2014), su primer larga duración, con el apoyo discográfico del sello barcelonés Siete Señoritas Gritando. grabado y mezclado en el Estudio Caballo Grande por Cristian Pallejà y Ferran Resines. Gracias a su sonido más elaborado, contundente y maduro, consiguen ser finalistas en el Concurso Grupo Revelación Nacional del festival Contempopranea de aquel año. 


La portada del álbum encaja perfectamente con la dualidad del título, que desconcierta y no deja de ser impactante por la simple unión de dos elementos que, al juntarlos, se convierten en surrealistas, formando una imagen cargada de significado. Eso, precisamente, es la esencia que comparten las diez canciones que lo integran, con una serie de elementos en común que dan carácter al estilo del grupo. Por un lado, letras directas con cierta ironía, como la de Esos amigos, el track que encabeza el disco y que envía un mensaje claro en su estribillo "No vales un duro, qué injusticia, unos tontos y otros tan poco". Lo mismo sucede en La Isla, donde dan voz a su pop de perfil más cantautoril y recuerdan bastante a Sr. Chinarro, con el que Cobarde, por cierto, han sacado su nuevo EP Avanti con la Guaracha (2015). Con ello, se han convertido en el primer grupo que Antonio Luque edita con su propio sello VEEMMM, que hasta ahora sólo había usado para publicar sus trabajos. 

Por otro lado, en el tema que da nombre al disco, Amor patada, encontramos toques de psicodelia y riffs de guitarra que también se dejan ver en Sin éxito. Pero lo que más predomina en el álbum es el pop fresco de Espejo de barbero, que a la vez te transporta al pop puro sin complejos de Tachenko. Claro ejemplo son las melodías perfectas y estribillos que no puedes dejar de cantar, como las de La Fórmula o Vida de oferta ("¿Qué más da? Ya no nos queda más de qué hablar"). En Retirada hacen un primer acercamiento al pop más tranquilo de Los Planetas, donde la melodía no es lo más importante hasta que llega el vital estribillo, que podría formar parte, perfectamente de alguno de los primeros hits de La Habitación Roja. Lo mismo sucede con la temática de Cuarto piso, una canción de amor donde el protagonista, aún sabiendo que no es buena idea dejarse llevar, declara abiertamente su debilidad ("Y te vuelvo a ver tan bonita y vuelvo a caer de rodillas")
Cierran el disco con Carne sin apellidos, con un sonido un poco más underground y de la misma manera que lo han empezado, con una letra que describe al detalle una historia que ha dejado huella y que seguramente por eso se ha convertido en canción. 

En definitiva, un disco que gustará a los amantes del indiepop nacional de los 90 y también a los seguidores de bandas más jóvenes que han bebido de esa época y que, como Cobarde, tienen una propuesta actual y no por eso menos auténtica que las originales. 

(Publicación original en catalán en La cultura no val res.) 

jueves, 18 de junio de 2015

Amason


A Amanda Bergman le sigo la pista desde que en 2010 me encandiló en Razzmatazz 2, cuando apareció a cantar en el concierto de The Tallest Man on Earth, el alter ego de Kristian Matsson, el que fue su marido hasta hace muy poco. Ella es más conocida por el nombre de uno de sus proyectos: Idiot Wind, que ahora deja un poco apartado para estrenarse como líder y cantante en una especie de supergrupo sueco: Amason

El 14 de agosto se publica Sky City (2015), el álbum de debut esta nueva banda, que lleva por nombre un modelo de Volvo que se hizo popular en Escandinavia en los 60. El nombre hace referencia a las guerreras de la mitología griega “las amazonas”, pero tanto la marca como el grupo optaron por la ortografía sueca, con “s” en vez de con “z”. 

El grupo se formó en 2012, y han ido sacando EPs y singles hasta este año, que 3 años después de empezar el proyecto, sacan su primer disco. En él, algunas canciones están escritas en sueco y otras en inglés, como la que he elegido para hoy. Se titula Duvan, y la verdad es que es muy pegadiza. Intentaría definir qué estilo de música hacen, pero me cuesta mucho encontrar parecidos con otros grupos. Podéis ayudarme a buscar referentes escuchando en spotify otro de los adelantos: Kelly, viendo su videoclip o disfrutando de esta maravilla de canción: 


Podéis escuchar esta recomendación en formato radiofónico en el 1:08:41.

miércoles, 17 de junio de 2015

"Carrie & Lowell" o la emoción hecha disco


En la sección de mayo de la Rayuela Musical Radio presenté algunas de las novedades de 2015, que seguramente estarán en mis listas de lo mejor del año. 

La primera de ellas es la maravilla de disco que se ha marcado Sufjan Stevens, del que, por cierto, aún no he leído una mala crítica. El de Michigan ha dado de lleno tocándonos a todos la fibra en este álbum, delicado y emocional. En definitiva, un tracklist no recomendado para los días de bajón, ya que fácilmente te hundirá aún más. 

Una de mis canciones preferidas de él, Should have known better, fue el segundo adelanto de Carrie & Lowell (2015). El tema narra una escena dramática de su infancia, y aunque en principio parece todo muy cortavenas, al final parece que hay esperanza y el presente ayuda a superar los resquicios que quedan de aquel trauma. 

Sufjan Stevens estará en el auditori del Fòrum el 29 de septiembre junto a Austra. A ver si el concierto es tan memorable como dicen que fue el del Primavera Sound 2011. Yo ya tengo mi entrada y por cierto, hacía mucho que no pagaba tanto por un concierto: 48.5€


Podéis escuchar esta recomendación en formato radiofónico a partir del 1:01:09 del podcast de El sonido de las montañas al revés: